Trechos do Show de 50 Anos da Chic Show no Palmeiras nas Aventuras Music...

Grandmaster Slice - Thinking of You

Querem a todo custo regulamentar a Internet. A culpa e dos memes do taxad

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A Universidade Estácio de Sá tem curso de bacharelado em História que é reconhecido ou não? Estou querendo cursar, mas estou na dúvida professor joão maria.,

Fonte: acessadoem18/07/2024às19:00https://emec.mec.gov.br/emec/consulta-cadastro/detalhamento/d96957f455f6405d14c6542552b0f6eb/MTYz/c1b85ea4d704f246bcced664fdaeddb6/SElTVNNSSUE=

fonte; acessada18/07/2024às20:40https://www.reclameaqui.com.br/empresa/estacio/

 

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Mister Johnny Volume - 2- 18/07/2024 quinta-feira. Seleção de Balanços e pesos e rap Black- SPOTIFY PODCASTER Obrigado DEUSSSSSS!

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Abaixo nome das músicas e cantores/as

1- Eddie Ski White Baby be Mine - 1985

2 - Bernard Wright - Haboglabotribin' 1981

3 - Conquest - Optimistic - 1985

4 - Wuf Ticket - Ya Mama. - 1982

5 - Donald Dee – Don't Cha Go Nowhere (1986)

6 - Donald D - The Groove (Grandmaster Flash - D.J. Hollywood) 1984

7 - The Temptations –  I'll Keep My Light In My Window. 1984

8 - Love Bug Starski - You've Gotta Believe. 1983

9 -T ski valley - Catch the beat 1981.

10 - Hurt 'Em Bad And The S.C. Band - Martin 1983

ANTES DOS REGISTROS DE RAP

Era só o DJ tocando música para a vizinhança. Essas festas eram carinhosamente conhecidas como festas do quarteirão ou, mais comumente, “the jam”. Esta poderia ter sido qualquer cidade urbana da América no início dos anos 1970, mas em Nova York os DJs não estavam apenas tocando a música popular da época, eles estavam transmitindo os trechos mais obscuros de álbuns populares que o rádio não ousaria tocar, e os DJs mais ousados ​​tocavam músicas desconhecidas de grupos totalmente desconhecidos.


O microfone sempre esteve presente nas festas para anúncios e afins, e por isso o DJ era o MC (mestre de cerimônias) original. Quer ele ou ela estivesse simplesmente fazendo um anúncio, dizendo a Jimmy para mudar de carro ou perguntando ao pessoal da festa como eles se sentiam, o DJ era o anfitrião. O MC nem sequer estava na equação nos primeiros dias do que mais tarde ficou conhecido como Hip-Hop. O DJ era tecnicamente o MC original – mantendo o público envolvido e muitas vezes falando em rima. Essas rimas não eram batidas nem sincopadas e não chegavam nem perto dos 16 compassos. Na verdade, as rimas não tinham estrutura alguma. Os presentes comparam as primeiras rimas com canções infantis.

ESTENDENDO O INTERVALO



Em meados da década de 1970 - muitos anos antes de alguém ter pronunciado as palavras Hip-Hop em forma de rima ou para descrever uma cultura - os DJs começaram a falar sobre as partes dos discos onde ninguém cantava e a percussão era pesada. Disc jockeys de rádio como Hank Span, Jocko e Gary Byrd vêm apresentando esse “Jive Talk” durante anos. O falecido grande Pete DJ Jones – um DJ do Bronx que tocava para um público adulto em alguns dos clubes mais sofisticados de Nova York – diz que começou a pegar duas cópias do mesmo disco e manipulá-las em dois toca-discos, em um esforço para estender o duração das músicas, pois ele tinha que tocar em festas de 6 horas com oferta limitada de música.


DJ Kool Herc – o homem creditado como o Pai da subcultura Hip-Hop – também estava estendendo as análises de discos, mas com uma motivação diferente.


Kool Herc notou que a energia da multidão aumentou muito na parte de quebra desses discos, mas a quebra durou apenas alguns segundos. Herc estendeu esses colapsos porque queria fornecer uma trilha sonora para a fraternidade de jovens que dançavam ao som desses colapsos caóticos (esses dançarinos foram chamados de B Boys e B Girls – mais tarde breakers).


Herc também tinha seus próprios assistentes e MCs - Timmy Tim, Clark Kent e Coke La Rock.

Créditos para: Walter McBride


DJ Hollywood – um dos primeiros DJs a dizer rimas completas e girar simultaneamente – diz que tratava a rima nas partes instrumentais das introduções dos discos como um exercício.


“Era tudo uma questão de entrar e sair antes do cantor começar.”

Créditos para: Arquivos David Corio/Michael Ochs



O falecido Lovebug Starski foi outro DJ influente que dizia rimas mais longas enquanto girava ao mesmo tempo.

O CIENTISTA



Um jovem DJ chamado Joseph Saddler – codinome Grandmaster Flash – era aluno da escola técnica Samuel Gompers, no Bronx. Flash ficou intrigado com o conceito de estender partes instrumentais dos discos, mas Flash era literalmente um cientista.



Grandmaster Flash arrastaria peças eletrônicas de ferros-velhos e construiria alto-falantes, modificaria máquinas de eco e mixers e consertaria seus equipamentos já existentes. Flash viu o que Herc estava fazendo com duas cópias de um disco e dois toca-discos, mas sentiu que faltava um timing preciso para Herc, o que deixou a pista de dança em desordem.



Flash estava tão empenhado em melhorar o que Herc estava fazendo que desenvolveu o que chamou de teoria da mistura rápida, que consistia em cortar. e a teoria do relógio para aperfeiçoar o que ele sentia que faltava a Herc. Flash depois de ver o mixer Clubman de Pete Jones com seu sistema de cueing, construiu seu próprio cue switch e colou-o em seu mixer para que pudesse visualizar o próximo disco em seus fones de ouvido antes de lançá-lo ao público. Flash melhorou muito o que Herc fazia em suas festas e conquistou muitos seguidores em Nova York, especificamente no Bronx. Junto com seus assistentes, The Disco Bee e EZ Mike, o show do Grandmaster Flash foi algo para ser visto de acordo com aqueles que o testemunharam em primeira mão.



As invenções e avanços técnicos do Grandmaster Flash são literalmente os blocos de construção de uma cultura. O vizinho de Flash era um baterista que usava uma bateria eletrônica da empresa Vox para manter os dedos ágeis sempre que não conseguia configurar a bateria. Flash cunhou esta bateria eletrônica como beat box. O beat box tinha teclas de baixo, caixa, chimbal e palmas e o Flash tocava o beat box como uma máquina de escrever. Depois que o Flash adquiriu uma equipe de MCs, o beat box se tornou uma peça central de seu show.



Flash enfatiza que o beat box humano é diretamente influenciado por ele.



“O termo beat box humano não é uma coisa aleatória. Depois que a popularidade do meu uso do beat box diminuiu, ele ressurgiu com pessoas fazendo isso com a boca. Eles literalmente imitaram o que eu fiz e até o nome veio diretamente do meu trabalho."



A câmara de eco era um dispositivo que adicionava um atraso ou eco a qualquer sinal conectado a ela. A câmara de eco estava sempre ligada, por isso não era muito útil para apresentações vocais. Flash conectou um interruptor de luz real na câmara de eco com o qual ele poderia desligar e ligar o eco à vontade. Este avanço aparentemente pequeno provaria ser de extrema importância para o MC muito em breve.



Flash foi o primeiro DJ a exibir scratching em um disco na forma de “The Adventures of Grandmaster Flash On The Wheels of Steel”. Este foi o disco que introduziu o scratching para quem estava fora dos bairros de Nova York.

“Eu abordei Sylvia (Robinson) muitas vezes sobre fazer um disco editado. Depois de um de nossos passeios, ela me deixou fazer isso e foram necessárias três tomadas só para adquirir a destreza. Na terceira tomada, eu já estava trancado”

MESTRES DE CERIMÔNIA



Quando Flash estreou seu quick mix para o público - principalmente em parques de bairro (esses parques eram na verdade os playgrounds de asfalto de várias escolas de ensino médio de Nova York - 23 Park era a base do Flash) - ele descreveu a cena como um seminário. Ninguém dançou, eles ficaram maravilhados com suas novas técnicas de DJ.



Flash tentou falar durante os discos como muitos outros DJs, mas odiava sua voz, então disponibilizou seu microfone para qualquer um que pudesse entreter o público. Muitos tentaram, mas todos falharam, exceto um – o falecido Keith Wiggins mais tarde conhecido como Keith Cowboy.



Keith Cowboy era um MC mestre com o controle de um mestre de cerimônias especializado na participação do público. Keith perguntava à multidão qual era o seu jeans favorito, o que eles achavam do jogo de basquete na noite anterior, e ele é creditado como o inventor do elemento básico da participação da multidão na música rap - o ainda utilizado “todas as mulheres da casa diga ai/todos os caras dizem ei/jogue as mãos para o alto e acene como se você simplesmente não se importasse.



Cowboy foi a resposta ao dilema do Flash e logo se tornou o primeiro MC do Flash. Muitos consideram Cowboy o primeiro MC do gênero. Cowboy também é creditado por desenvolver a frase "Hip-Hop", que Afrika Bambaataa usaria mais tarde como nome para identificar a subcultura da escrita Mcing, Djing, B-Boying e Graffiti.

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OS IRMÃOS GLOVER



Os irmãos Melvin e Nathaniel Glover, inspirados na poesia de sua irmã mais velha Linda e Herc's MC's Coke La Rock e Timmy Tim, começaram a experimentar um estilo de vaivém onde dividiam palavras e frases entre si. Melvin e Nathaniel mais tarde se tornariam Mele Mel e Kidd Creole, e depois de aperfeiçoar suas rotinas, os Glover Brothers começaram a pular no microfone nas festas de DJs do Bronx que tinham aparelhagens e davam festas. Era inevitável que Mel & Creole se cruzassem com Flash & Cowboy, e quando isso aconteceu, um dos primeiros e mais influentes grupos de rap foi formado - Grandmaster Flash & The 3 MC's.



A diferença entre os 3 MC's e outros que rimavam na época era uma questão de estilo. Os DJs do “Jive Talking”, como Hank Span e Jocko, não rimavam na batida, ou como DJ Hollywood descreve, “em sincopação”.



Os MC's/DJ's como Coke La Rock e Timmy Tim não diziam rimas completas, diziam frases e fragmentos e não estavam no ritmo. Os 3 MC's estavam dizendo rimas completas em síncope.



Kidd Creole diz que a primeira pessoa que ouviu dizer uma rima completa sobre si mesmo em síncope foi seu irmão Mel. Escorpião diz com segurança: “Se há algo sobre o qual possuímos patente, é dizer rimas completas no ritmo”.



Muitos MCs de primeira e segunda geração afirmam que o DNA de Mel e Creole flui através de todos os MC modernos.

O FURIOSO 4



Eddie Morris, também conhecido como Sr. Ness, era o melhor amigo de Mele Mel; na verdade, eles faziam parte de uma equipe de break e uma vez dançaram contra Mean Gene (irmão mais velho de Grandwizzard Theodore) e Grandmaster Flash. Eddie (que acabou mudando seu nome para Scorpio porque segundo ele estava conseguindo tantas garotas que se autodenominava ferrão) estava sempre na companhia de Grandmaster Flash & The 3 MC's e eventualmente se tornou um MC e se juntou ao grupo forçando uma mudança de nome para Furious 4. Escorpião, carinhosamente conhecido por pessoas próximas a ele como Scorp, diz que certa vez apenas uma corda separava a multidão dos rappers em uma jam. Ele diz que Grandmaster Flash e The Furious 4 construíram o primeiro palco em Hi-Hop, onde se elevaram acima da multidão.

GRANDE MESTRE FLASH E FURIOSOS 5



Guy Todd Williams era um MC de uma equipe do Bronx chamada The Funky 4. The Funky 4, que eventualmente se tornaria companheiro de gravadora de Grandmaster Flash & The Furious 5 em duas gravadoras diferentes, é considerado o segundo grupo estabelecido de MC do Bronx depois de Furious 5. Mesmo que muitos aspirantes a MC e grupos se harmonizassem, Guy era na verdade um cantor legítimo que atuou como uma arma secreta no Funky 4 com seu conjunto de habilidades de canto e rima.



Como cantor, Guy foi orientado por Rahiem Leblanc do grupo de R&B GQ. Rahiem Leblanc foi uma influência tão grande para Guy que ele também mudou seu nome artístico para Rahiem. Em 11 de maio de 1979, The Funky 4 lutou contra Grandmaster Flash & The Furious 4 no Webster Avenue PAL. Naquela noite, Rahiem deixou o Funky 4 e se juntou ao Furious 4, dando origem a Grandmaster Flash & The Furious 5.

MODA



A sensibilidade fashion de Grandmaster Flash & The Furious 5 tem estado na vanguarda de muitas discussões sobre Hip-Hop ao longo dos anos, mas ainda mais nos últimos anos, à medida que a lacuna geracional da moda urbana aumenta. A disponibilidade online das fotos mais antigas do grupo serviu como munição para membros de várias gerações provarem que os estilos de vestimenta aparentemente estranhos de hoje não são tão novos assim.



Mele Mel adota um tom defensivo ao proclamar: “Nós nos vestimos como se fôssemos artistas que as pessoas pagavam para ver. Se nos vestirmos como as pessoas na multidão, não haverá valor de entretenimento. Construímos palcos feitos de mesas antes de haver discos de rap porque queríamos ser elevados na multidão.”



Scorpio ecoa a frustração de Mel com as comparações: “Estávamos abrindo para The Clash, Parliament Funkadelic, The Bar Kays, Billy Idol e Rick James. Tínhamos que nos vestir como as pessoas com quem estávamos nos apresentando. Assim que começássemos a viajar para fora dos estados, compraríamos um cinto com pontas, depois um levava a dois e, antes que você percebesse, estávamos cobertos.”

fonte; rockthebells-com.translate.goog/articles/grandmaster-flash-furious-five-legacy/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=pt&_x_tr_hl=pt-BR&_x_tr_pto=sc&_x_tr_hist=true

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Vice de Trump: íntegra do discurso de J. D. Vance na Convenção Nacional Republicana: Epoch Times Brasil

Comentando sobre editais de concursos para professores e outros assuntos.

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Mister Johnny Volume 1- 12/07/2024 sexta-feira. Seleção de Melodias Black- SPOTIFY PODCASTER Obrigado DEUSSSSSS!

1- Sugarfoot ~ I'm Your Sugar - 1985

2- L.S.G. - My Body - 1997

3- Mary jane Girls - On the inside 1983

4- Terry Tate - Babies having babies 1989

5- Al B. Sure - Night and day - 1988

6-Keith Washington - Bring it on - 1998

7 - Rome - I belong to you 1997

8 - Gerald Alston - I can`t tell you - 1989

9 - Zapp and Roger Troutman -  Computer Love 1985

Quais são os 3 pilares da proposta triangular de Ana Mae Barbosa?

Sistematizada por Ana Mae Barbosa, a Proposta ou Abordagem Triangular está voltada para um ensino baseado em três eixos norteadores: a Leitura, a Contextualização e o Fazer Artístico; no qual ressalta a importância do aluno compreender e fazer essa leitura de imagens.

Universidade Federal do Amapá

Universidade Federal do Amapá

O que é apreciação estética e fruição na arte?

Trata-se da capacidade de perceber e valorizar a beleza e a harmonia em diversas formas de expressão, como pintura, música, literatura, arquitetura e design.

O que é: Apreciação Estética - CASA FLOR

Os três componentes da arte: tema, forma e conteúdo.

Artes Védicas – DANÇA – Cultura Védica

Registros históricos apontam a origem védica das danças tradicionais indianas.

De acordo com o Natya Shastra, a dança e o teatro teriam surgido e se desenvolvido juntos.

O Natya Shastra é uma escritura compilada a partir dos Vedas, pelo sábio Bharata Muni. Data de no mínimo cinco mil anos. Ela define o drama como a conjunção da palavra, da mímica, da dança e da música. Versa, ainda, sobre o desenvolvimento das expressões artísticas, estabelecendo princípios técnicos e estéticos.

O Natya Shastra é, na realidade, o tratado mais antigo sobre dramaturgia, do qual se tem notícia. Também é conhecido como Natya Veda, pois reúne todas as artes descritas nos Vedas – música, do Sama Veda; poesia e prosa, do Rig Veda; representação teatral, do Atharva Veda; gestos e pinturas corporais do Yajur Veda.

As danças indianas são baseadas em desejos religiosos e seus conteúdos temáticos são baseados na mitologia védica milenar extremamente rica. Constituem uma arte complicada que requer habilidade, trabalho duro e disciplina.

Dentro do natya, o abhinaya adquire formas diferentes em cada estilo. Uns mais exagerados que outros. Os temas do abhinaya também variam, mas cada estilo afirma os ensinamentos do navarasa, os nove estados de ânimo ou sentimentos: o amor, o desprezo, o pesar, a ira, o medo, o valor, o desgosto, a admiração e a paz.

Esses estados de ânimo encontram-se classificados no Natya Shastra. Nele, também são descritos os meios de expressá-los nos movimentos dos olhos, das sobrancelhas, do pescoço, das mãos e do corpo.

As escrituras citam quatro tipos de abhinaya – angika, as expressões corporais; vacika, fala ou canto; aharya, caracterização; e satvika, comportamento e emoções dos personagens. Os principais componentes de abhinaya são rasa (sabor) e bhava (sentimento ou emoção).

Existem ainda duas categorias de movimentos que qualquer bailarino, homem ou mulher, pode realizar. O tandava, aspecto masculino e vigoroso da dança. E o lasya, que representa o lado elegante e feminino.

Todos os estilos são executados com os pés descalços. Embora em alguns deles sejam utilizados os ghungroos (guizos nos tornozelos), para aumentar o ritmo dos passos. Os mudras (gestos com as mãos), os estilizados movimentos do rosto e dos olhos e os complexos esquemas rítmicos constituem outras características da dança clássica indiana.

Nos dias atuais, há sete estilos de danças clássicas na Índia: Bharatanatyam, em Tamil Nadu; Mohiniyattam e Kathakali, em Kerala: Kuchipudi, em Andhra Pradesh; Odissi, em Orissa; Manipuri, em Manipur; e Kathak, principalmente no Rajastão e em Uttar Pradesh. As correntes coreográficas associam-se à concepção do drama. Herdeiras do Natya Shastra, elas se desenvolvem seguindo tradição e técnicas de princípios semelhantes, como, por exemplo, o de que “o corpo inteiro deve dançar”.

Todas as posturas da dança têm um significado específico e representam alguma expressão da vida. A maioria retrata, por exemplo, o relacionamento amoroso entre casais de deuses, como Vishnu e Lakshmi, Rama e Sita, Krishna e Radha.

Da mesma forma que alimentos e flores, dança é uma oferenda aos deuses. Originalmente era apresentada nos templos, em salas especiais chamadas de Natyamandapas, por dançarinas chamadas de devadasis, do Sânscrito, que significa ‘servas de Deus’.

As devadasis levavam vidas muito austeras e executavam danças sagradas em homenagem aos deuses e deusas. Muitas se dedicavam a um deus, a quem serviam dançando em frente ao altar e em festivais em redor do templo.

Do século II ao VIII d.C., a dança indiana gradualmente foi se dissociando do drama. Surgiram, então, os diferentes estilos clássicos, que refletem as tradições particulares de cada região em que surgiram. No entanto, todos os estilos clássicos compartilham elementos básicos do nritta (dança pura), do nrittya (expressão do conteúdo dramático através da pantomima e do gesto) e do natya (drama).

Fonte: culturavedica.com.br/artes-vedicas-danca/#:~:text=De%20acordo%20com%20o%20Natya,da%20dança%20e%20da%20música.

O que é Estética na Filosofia?

Pedro Menezes

A Estética, também chamada de Filosofia da Arte, é uma das áreas de conhecimento da filosofia. Tem sua origem na palavra grega aisthesis, que significa "apreensão pelos sentidos", "percepção".

É uma forma de conhecer (apreender) o mundo através dos cinco sentidos (visão, audição, paladar, olfato e tato).

Importante saber que o estudo da estética, tal como é concebido hoje, tem sua origem na Grécia antiga. Entretanto, desde sua origem, os seres humanos mostram possuir um cuidado estético em suas produções.

Das pinturas rupestres, e os primeiros registros de atividade humana, ao design ou à arte contemporânea, a capacidade de avaliar as coisas esteticamente parece ser uma constante.

Mas, foi por volta de 1750, que o filósofo Alexander Baumgarten (1714-1762) utilizou e definiu o termo "estética" como sendo uma área do conhecimento obtida através dos sentidos (conhecimento sensível).

A estética passou a ser entendida, ao lado da lógica, como uma forma de conhecer pela sensibilidade.

Desde então, a estética se desenvolveu como área de conhecimento. Hoje, é compreendida como o estudo das formas de arte, dos processos de criação de obras (de arte) e em suas relações sociais, éticas e políticas.

A Beleza entre os Gregos

A filosofia grega, a partir de seu período antropológico, buscou perceber os motivos pelos quais as atividades humanas possuem um comprometimento com um valor estético: a beleza.

Desde o início dos tempos, a ideia de beleza e de bem fazer estão interligadas à produção e transformação da natureza.

Com isso, o filósofo grego Platão (427-347) buscou relacionar a utilidade com a ideia da beleza. Ele afirmou a existência do "belo em si", uma essência, presente no "mundo das ideias", responsável por tudo o que é belo.

Muitos dos diálogos platônicos têm como discussão o belo, sobretudo O Banquete. Nele, Platão se refere ao belo como uma meta a ser alcançada por todo o tipo de produção.

Entretanto, o filósofo une o belo à sua utilidade e ataca a poesia e o teatro grego. No pensamento platônico, esse tipo de atividade não possuía utilidade e gerava confusão acerca dos deuses e dos objetivos das ações humanas.

Vaso grego

Detalhe de um vaso grego. Na Grécia antiga, beleza e utilidade estavam relacionadas

Em seu livro A República, Platão deixa claro que na formulação de sua cidade ideal, a poesia grega seria afastada da formação dos homens por desvirtuar os indivíduos.

Em Aristóteles, há a compreensão de arte como técnica destinada à produção. O filósofo busca definir os termos gregos: práxis (ação), poiesis (criação) e techné (regras e procedimentos para se produzir algo).

Sendo assim, passa a ser entendido como arte, tudo o que passa por essas três dimensões, todo o tipo de trabalho e tudo aquilo que produz algo novo.

Entretanto, há uma forte hierarquia entre as artes gregas. As artes da razão, que trabalham com o intelecto, são entendidas como superiores às artes mecânicas, que trabalham com as mãos.

O trabalho com as mãos é compreendido como um trabalho menor, desvalorizado, destinado aos escravos. Cabia ao bom cidadão grego as atividades do intelecto como a matemática e a filosofia.

A Beleza ao Longo da História da Filosofia

A beleza era entendida pelos gregos em sua objetividade. Essa concepção foi mantida durante toda a Idade Média e estendida em sua relação com a religião. A ideia de perfeição e beleza estiveram relacionadas à manifestação da inspiração divina.

Durante o período, a arte foi utilizada como um instrumento a serviço da fé. Seu principal objetivo era revelar o poder da Igreja e expandir a religião cristã. A beleza em si mesma passou a ser relacionada ao pecado.

Com o fim da Idade Média, o Renascimento buscará separar-se da visão religiosa da beleza. A ideia da beleza passa a se relacionar com a reprodução mais fiel possível da realidade. O artista passa a assumir o protagonismo, sua qualidade técnica passa a ser valorizada.

A beleza, entendida em sua objetividade, vai estar relacionada com as proporções, formas e harmonia das representações da natureza. Essas características tornam-se expressões matematicamente presentes nas obras de arte.

Leonardo da Vinci - Homem Vitruviano e invenções

O Homem Vitruviano (c.1490). A produção de Leonardo da Vinci mostra a estreita relação entre arte e matemática no período. Na imagem, observam-se diversas invenções e ao centro, um corpo humano inscrito em figuras geométricas

Definiu-se, então, um campo relativo às sete artes (pintura, escultura, arquitetura, música, dança, teatro e poesia) ou, belas artes. Essa concepção de arte se mantém até os dias atuais, apesar de terem surgido novas formas de expressão artística (fotografia, cinema, design, etc.).

Baumgarten e a Origem da Estética

O filósofo alemão Alexander Baumgarten inaugurou a estética como área de conhecimento da filosofia. Buscou compreender os modos de reprodução da beleza pela arte.

Em boa parte, isso se deu pelo fato da arte ter se estabelecido como um ato de produção que pode estar associada a um valor econômico.

Para atribuir um valor a uma obra é necessária uma compreensão da arte que vai além do simples gosto. Baumgarten buscou estabelecer regras capazes de julgar o valor estético da natureza e da produção artística.

As bases definidas pelo filósofo propiciaram que ao longo do tempo a arte fosse concebida para além de sua relação com a beleza. A arte passa a se relacionar com outros sentimentos e emoções, que influenciam a identificação do que é belo e de seu valor.

Kant e o Juízo de Gosto

O filósofo Immanuel Kant (1724-1804) propôs uma importante mudança no que diz respeito à compreensão da arte. O filósofo tomou três aspectos indissociáveis que possibilitam a arte como um todo.

É a partir do pensamento do filósofo que a arte assume o seu papel como instrumento de comunicação. Para ele, a existência da arte depende de:

o artista, como gênio criador;

a obra de arte com sua beleza;

o público, que recebe e julga a obra.

Kant desenvolve uma ideia de que o gosto não é tão subjetivo como se imaginava. Para haver gosto, é necessário que haja educação e a formação desse gosto.

O artista, por sua vez, é compreendido como gênio criador, responsável por reinterpretar o mundo e alcançar a beleza através da obra de arte.

Seguindo a tradição iluminista, que busca o conhecimento racional como forma de autonomia, o filósofo retira a ideia do gosto como algo indiscutível. Ele vai contra a ideia de que cada pessoa possui o seu próprio gosto.

Para Kant, apesar da subjetividade do gosto, há a necessidade de universalizar o juízo de gosto a partir da adesão de outros sujeitos a um mesmo julgamento.

O filósofo buscou resolver essa questão através da ideia de que para alguma coisa ser considerada bela, é necessário antes, compreender o que ela realmente é. Sendo assim, a educação seria responsável pela compreensão da arte e, a partir daí, a formação do gosto.

Eugène Delacroix - A Liberdade Guiando o Povo

A Liberdade Guiando o Povo (1830), Eugène Delacroix. O quadro remonta o espírito da Revolução Francesa, inspirado pelo Iluminismo e que influenciou as artes, a política e a filosofia

O juízo de gosto une a universalidade da apreciação da beleza às singularidades e particularidades do artista, da obra e do público.

Escola de Frankfurt

Um importante ponto de mudança no estudo da estética foi introduzido por uma série de pensadores da Universidade de Frankfurt, na Alemanha.

Dentre esses pensadores destacam-se Walter Benjamin, Theodor Adorno e Max Horkheimer, que influenciados pelo pensamento de Karl Marx, tecem duras crítica ao capitalismo e seu modo de produção.

A partir desse pensamento, Walter Benjamin (1892-1940) publica uma importante obra chamada A Obra de Arte na Era de Sua Reprodutibilidade Técnica (1936).

Nela, o filósofo afirma que a possibilidade de reproduzir obras de arte faria com que ela perdesse sua "aura" de originalidade, unicidade e de exclusividade das aristocracias.

Essa mudança poderia permitir o acesso à obra de arte pela classe trabalhadora, que antes estaria completamente excluída.

Por outro lado, dentro do sistema capitalista, a reprodução técnica da arte centraria seus esforços no lucro gerado pela distribuição massiva de reproduções. O valor da obra é transportado para sua capacidade de ser reproduzida e consumida.

Benjamin chama a atenção para o apelo à exposição e fala sobre uma nova forma de cultura que busca reproduzir a estética da arte. A política e a guerra, por exemplo, passam a suscitar emoções, e paixões, que antes eram próprias da arte, através da propaganda e dos espetáculos de massa.

Esse tipo de força estética pode ser observado na propaganda, nas paradas militares e nos discursos que continham uma multidão de pessoas presentes realizados pelo partido nazista.

Exposição “Arte degenerada”

Folheto de propaganda da Exposição “Arte degenerada” em 1938. Nela, nazistas ridicularizavam a arte moderna e expunham concepções estéticas proibidas

Com o fim da segunda guerra mundial, o nazismo foi derrotado, mas sua forma de propaganda e a massificação de elementos estéticos permaneceu e desenvolveu-se na chamada indústria cultural.

A Estética nos dias de Hoje

A estética, desde sua relação com o belo entre os gregos, sua definição como área do conhecimento por Baumgarten, até os dias de hoje, vem se transformando e buscando compreender os principais fatores que levam os indivíduos a possuírem um "pensamento estético".

A filosofia e a arte encontram-se na estética. Muitos são os pensadores que, ao longo do tempo, fizeram essa união como modo de compreender uma das principais áreas de conhecimento e atividade humana.

Hoje em dia, boa parte das teorias estéticas são produzidas, também, por artistas que visam unir a prática e a teoria na produção do conhecimento.

É o caso de Ariano Suassuna (1927-2014), dramaturgo, poeta e teórico da estética. No vídeo abaixo, ele fala do valor da arte popular e sua relação com a dominação cultural.

fonte; www.todamateria.com.br/estetica/

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